En Abril del año 2011, viajé a México integrando una misión
comercial encabezada por las más altas autoridades nacionales. Durante la misma
el Sr. Presidente de México Felipe Calderón nos ofreció un almuerzo en la
residencia presidencial Casa de los Pinos, y fue allí donde conocí al Sr.
Carlos Slim Helú, que días atrás había inaugurado el Museo Soumaya. El nombre
del Museo es en honor a su esposa Soumaya Domit, fallecida en el año 1999.
El Sr. Slim Helú invitó a un cóctel en su Museo para que lo
conociéramos. Considero que vale la pena intentar modestamente describir en una
pincelada esta apertura cultural que convierte al Museo Soumaya de México en el
más importante de Latinoamérica.
Al llegar al Museo nos recibió el Sr. Slim Helú y comentó
que el Museo había sido inaugurado el 29 de marzo de ese año y que su objetivo
es poner el inmueble y su colección a disposición del país con el compromiso de
formar y desarrollar su capital humano, a la par que ofrecer acceso a la
cultura mundial y la historia de México.
El joven arquitecto y urbanista mexicano Fernando Romero
tuvo a su cargo el diseño arquitectónico de este proyecto en un área de 17.000
m² y con 7.500 m² para exposiciones distribuidas en 6 niveles, su altura es de
47 m. El museo también cuenta con auditorio para 320 personas, biblioteca
pública, oficinas, áreas infantiles, cafetería, restaurante, tienda de
souvenires, aula digital, talleres, actividades lúdicas. La estructura
subterránea cuenta con 5 niveles de estacionamiento. Está integrado por dos
estructuras, una principal que lo sostiene y otra complementaria que forma a la
fachada y soporta el muro interior. La fachada asimétrica de forma suave está
compuesta por 16.000 hexágonos brillantes que varían en su dimensión, pero como
lo muestra una de las fotos se van abriendo los hexágonos para representar un
poco las deformaciones de las pieles. Sólo es visible la puerta de ingreso.
Su estilo arquitectónico ha sido comparado con el edificio de los Grandes Almacenes Selfridges – Birmingham y con el Museo Guggenheim – Bilbao.
Desde el vestíbulo percibí que me encontraría en un ambiente
cautivante y considerándome uno de los 3.500 visitantes que todos los días se
desplazan por sus instalaciones, ingresé cámara fotográfica en mano, momento en
el cual me recordaron que no podía usar flash en las tomas fotográficas. Noté
que las visitas son gratis y guiadas, también hay recorridos especiales para
niños y para ancianos. Los niveles están conectados entre sí mediante
ascensores y una rampa en espiral.
La primera obra que aprecié fue: Naturaleza Muerta. Obra del
pintor mexicano Rufino Tamayo [1899 – 1991] realizada con la técnica de
vinelita sobre lienzo y montado en monolite en el año 1954. Muestra sobre una mesa
poliangular una naturaleza muerta integrada por frutas redondas y rojas, dos
botellas sobre una bandeja y doce rebanadas de sandías (una característica de
los cuadros del autor), en el frente de la obra dos respaldos de sillas. Su
tamaño es de 8,54 m por 1,95 m.
La primera obra grande: Laocoonte y sus hijos. Se trata de
una reproducción en bronce realizada por la fundidora artística de bronce Casa
Chiurazzi – Nápoles, con licencia de la Santa Sede, en cuyo Museo Vaticano se
encuentra la escultura original griega-helenística ejecutada en mármol blanco
en el siglo I aC. La obra de 2,42 metros de altura fue realizada por Agesandro,
Polidoro y Atenodoro, pertenecientes a la Escuela Rodia.
El grupo escultórico, uno de los más famosos y antiguos,
representa la muerte del sacerdote troyano Laocconte castigado por los Dioses a
morir estrangulado por serpientes marinas junto a sus hijos. Los siguientes detalles de la imagen general muestran la
mirada dramática del padre solicitando ayuda a su hijo y la mordedura de una de
las serpientes.
Río Juchitán, también llamado Baño en el Río o Baño de
Tehuantepec, es un mural realizado entre los años 1953-56 por el destacado
mexicano Diego Rivera [1886 – 1957] con la técnica de mosaico veneciano
adherido con cerámico color terracota. Sus dimensiones son de 8,72 m de largo
por 1,54 m de altura, y teniendo en cuenta que muestra imágenes en anverso y
reverso la superficie trabajada es de 26,86 m². Representa una secuencia
narrativa inspirada en el Istmo de Tehuantepec.
De repente apareció dominando el espacio una de las mejores
obras de Auguste Rodin [1840 – 1917]: El Pensador. Se trata de un hombre
sentado, reclinado, cabeza ladeada hacia abajo, es una postura de pensamiento,
soledad. Es una versión agrandada (alto 1,98 m) del original del año 1903, está
realizada en bronce con pátina verde y negra. La fundición de bronce pertenece
a una edición limitada de la Fundición Valsuani - Francia.
Al fondo de este enorme vestíbulo surge una escalinata
enmarcada por muros blancos redondeados y en su centro la obra de Miguel Angel
Buonarrotti [1474 – 1564]: La Piedad, escultura fundida en bronce, réplica de
la existente en la Basílica de San Pedro – Vaticano, en mármol (1499). Se
destaca la perfección estética del hijo muerto en brazos de la Virgen, una
belleza de la época renacentista.
Se encontraban en exhibición más de 6.000 obras distribuidas
en los 6 niveles. Los muros interiores, sutilmente curvos, crean espacios
enormes, libres de columnas. Las obras y objetos se exhiben sobre muros falsos
y vitrinas generando ambientes que favorecen la estética. Las rampas de acceso
a los diferentes niveles facilitan el recorrido y brindan una pausa propicia
para reflexionar sobre lo que se acaba de observar.
El recorrido no sigue una pauta pre establecida y el
visitante puede acceder siguiendo su gusto. El personal del museo que nos
guiaba recomendó no agotar el espacio, puesto que el tiempo del que disponíamos
era muy acotado, y sugirió escoger obras puntuales o visitar alguna sala
específica.
Acepté el consejo y mi interés se dirigió a registrar
algunas imágenes de obras del México antiguo al moderno:
El Petróleo. Se trata de un díptico que versa sobre los
recursos naturales, no hay una versión definitiva sobre su nombre, algunos lo
nominan como: “El petróleo, la tierra como el agua y la industria nos forja y
nos pertenece” fue realizado en el año 1959 por el pintor mexicano David Alfaro
Siqueiros [1896 – 1974]. Es un enfoque político que muestra dos iconos de su
temática artística: obreros y campesinos. Sus dimensiones son 8,04 m de largo
por 3,3 m de alto, se utilizó pistola de aire que permitió trazos vigorosos,
expresión de gran fuerza. Los colores son alegres.
El Descubrimiento del Pulque. Obra de autor anónimo, que
dataría del año 1870. Representa un tema costumbrista e histórico en estilo
neoclásico. Las imágenes indígenas están idealizadas evocando a los antiguos
griegos.
El Milagro de Tepeyac. Este óleo sobre lienzo de 2 m de alto
por 1,63 m de ancho, fue realizado en el año 1947, representa la tradición de
devoción y de fe mexicana con la aparición de la Virgen de Guadalupe al indio
Juan Diego. La autoría es del pintor, muralista y escultor de nacionalidad
mexicana Jorge Gonzalez Camarena [1908 – 1980]. En su parte inferior se aprecian
las iniciales JD por Juan Diego y ruinas que se corresponden con el pasado
histórico, mientras que a la izquierda lo enmarca una planta de nopal con sus
frutos, para los aztecas el nopal era la planta de la vida.
Panorama de Celaya. Obra de autor anónimo mexicano que
muestra como su nombre lo indica a la ciudad de Celaya – Estado de Guanajuato -
Año 1883, tal cual está inscripto en la parte superior. Fue realizada en papel
de arroz sobre seda pintada al óleo y pegada sobre cartón. Su marco destaca una
gran labor de artesanía en madera.
Así, llegué al último nivel y encontré la Gliptoteca del
Museo. El hecho de que la gran sala no tenga columnas y disponga de una
inmejorable iluminación, reitera la técnica de las construcciones barrocas para
transmitir una sensación de grandeza. Su superficie es de 1.200 m²; en su punto
más alto tiene 13 metros y durante el día recibe iluminación cenital directa
del sol a través de un techo semitransparente.
Auguste Rodin nos da la bienvenida con su escultura en
bronce La Mártir (1885). Se trata de una mujer yaciente, el autor manifiesta
como medio de expresión el cuerpo humano.
Un lugar preponderante está destinado a Los Luchadores. Obra
digna de admiración que pertenece a Pietro Bazzanti [1842 – 1881] figura
relevante en la producción de la escultura florentina, se trata de una
escultura en mármol blanco propia de la escuela griega helénica. Está asentada
en una base de mármol verde, haciéndola una de las obras más pesadas del museo.
Los luchadores sin atuendo alguno, sus rostros, los gestos, sus músculos, la
incidencia de la luz, hacen que el visitante la califique de erótica, sensual.
En el estudio de Bazzanti en Firenze funciona aún la Galleria d´Arte Pietro
Bazzanti e Figlio.
Continuando con Auguste Rodin, el Museo Soumaya reúne el
acerbo más importante fuera de Francia, la colección es de 380 obras, desde sus
primeras obras de influencia académica hasta sus piezas de géneros, como el
mitológico, el retrato y la fragmentación del cuerpo. Este escultor francés es
considerado en la historia del arte como el primer escultor moderno.
La Catedral. Obra realizada por Auguste Rodin en el año
1908, tallada en piedra. Son manos delicadas, estilizadas, que se abrazan y sus
dedos apuntan hacia el cielo, posiblemente de allí provenga su nombre o de la
fascinación que el autor sentía por las catedrales francesas, la composición
permite ver una correspondencia con la arquitectura gótica. Girando alrededor
de la obra y viéndola desde distintos ángulos, permite deducir que son dos
manos derechas idénticas que inician el movimiento de enlazarse. Tanto la
simetría como el contraste de la piel de las manos con la superficie rugosa de
base donde se apoyan, son para elogiar.
Las Tres Sombras. Esta escultura de A. Rodin, cuyo original
data de 1886, representa tres figuras que en realidad son la misma, pero
expuesta en diferentes ángulos alrededor de un punto concreto, parecen girar
alrededor de él.
Esta obra aparece en la parte superior del grupo escultórico
Las Puertas del Infierno de seis metros de alto por cuatro de ancho y uno de
espesor, contiene 180 figuras (desde 15 cm a 1 m) entre las cuales se encuentra
también El Pensador ubicado en el dintel de la puerta.
En el mismo nivel se exhiben una serie de obras del español
Salvador Dalí rotulada como la muestra de las Ensoñaciones. S. Dalí [1904 –
1989] a pesar de ser más conocido por su obra pictórica, durante su carrera
produjo diversas esculturas, utilizando la técnica de vaciado en bronce, que
opta por el modelado en cera en vez de tallar la figura directamente sobre el
material.
A continuación, algunas de las esculturas que pude
fotografiar y que son símbolos y temas surrealistas de su obra: el tiempo, la
sensualidad, el baile, la mitología y hasta la religión.
Bailarina Daliniana. Año de realización 1949, es una ofrenda
al baile flamenco ejecutada en bronce dorado, con pátina azul y negra. La
imagen es simétrica, los olones del vestido de esta bailarina se asemejan al
follaje frondoso de un árbol.
El Angel Triunfante. Obra del año 1976, en bronce dorado con
pátina azul y negra. Los ángeles comienzan a aparecer en obras de S. Dalí a
partir de los años ´40, cuando comenzó a enfocarse en temas religiosos.
El Elefante Espacial. Realizada en el año 1980 en bronce
dorado con pátina negra y café. Este paquidermo alucinante simboliza la lujuria
con el obelisco, la sabiduría con el elefante y la riqueza con su montura.
Gabinete Antropomórfico. En esta obra que data de 1982
realizada en bronce dorado con pátina verde, negra y café. S. Dalí representa
con los cajones la psique humana. Los cajones abiertos serían los deseos
íntimos pero con el rostro cubierto.
Caballo montado por el tiempo. Es una obra finalizada en el
año 1980, en bronce dorado con pátina café. El caballo lleva sobre su lomo un
reloj derretido. S. Dalí es muy afecto a los relojes en sus obras, manifiesta
que los relojes blandos representan una realidad más completa, ante la ausencia
de la rigidez de sus agujas.
Alicia en el país de las maravillas. Al margen de haber
ilustrado una edición especial del libro con una serie de pinturas, en el año
1977 realizó una escultura en bronce dorado que representa su visión de Alicia.
La obra muestra a una niña alegre, delicada, etérea. Las flores en la cabeza y
en las manos, le da un toque de elegancia sin quitarle el aspecto infantil.
La colección privada del Sr. Slim Helú es superior a las
60.000 obras que cubren 30 siglos de arte, un espacio por demás interesante
para transitar con el arte a través del tiempo. A todos aquellos que visitan la
capital mexicana les aconsejo visitar el Museo Soumaya - Plaza Carso.
Otra recomendación para no confundirse: existe en Plaza Loreto de dicha capital otro Museo Soumaya, fundado en el año 1994 por el matrimonio Slim, dedicado al arte mexicano y europeo.
Otra recomendación para no confundirse: existe en Plaza Loreto de dicha capital otro Museo Soumaya, fundado en el año 1994 por el matrimonio Slim, dedicado al arte mexicano y europeo.
Para complementar la información de esta pincelada describo lo que exhibía el Museo en sus distintos niveles.
Nivel 1. Manuscritos y libros que invitan a viajar por la
Conquista, el Virreinato y la Independencia de México. La colección más
importante de monedas virreinales de México que se muestra por primera vez.
Nivel 2. Pinturas destacadas del siglo XV y XVIII, reúne
lienzos flamencos, españoles, germanos, italianos y franceses.
Nivel 3. El encuentro con el Nuevo Mundo. Pinturas y
esculturas religiosas, la vida cotidiana a través de biombos y textiles,
muestran la realidad novohispana.
Nivel 4. Es una cita con el Nuevo Mundo. Pinturas y
esculturas inéditas con temas religiosos.
Nivel 5. Se presentan expresiones artísticas del XVIII y XIX
del Neoclasicismo y Romanticismo.
Nivel 6. Esculturas Europeas de los Siglos XIX y XX.
Magníficas las obras de arte
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